"ARCO: El escaparate del arte contemporáneo" por María José López

Publicado: 11/02/2008

Vuelve en su 27º edición , ARCO, Feria Internacional de Arte Contemporáneo, representantes del mundo del arte de diferente signo se citarán en el mayor de los escaparates de Arte Contemporáneo de nuestro país. Un acontecimiento que en los últimos años ha sabido ganarse al público, el año pasado se convirtió en un gran éxito comercial, y a nivel internacional cada vez goza de más popularidad.

Este año se presenta con un renovado proyecto de interior llevado a cabo por el arquitecto Juan Herreros. Y con una nueva distribución, con su ubicación en los dos nuevos pabellones de la Feria de Madrid: el 12 y el 14. Además contará también con nuevas secciones, como Performing Arco, por primera vez el “live art” tendrá un espacio propio. Cuenta también con la sección, Expanded Box, que se centrará en el arte electrónico, audiovisual y “net art” y Arco40, que mostrará las obras de artistas que han sobresalido en los últimos tres años, el criterio es la aportación de una nueva visión a la práctica contemporánea.

Entre las nuevas propuestas especialmente llamativas son la de los dos grandes focos artísticos: Nueva York (Estados Unidos) y Londres (Renio Unido), además de las procedentes de Alemania, Brasil, Italia y Países Bajos, entre otros.

El protagonismo en ARCO08 recaerá en Brasil, será el país invitado. Su arte será acogido en 32 galerías, mostrarán lo más innovador del arte brasileño. Se apostará por un arte reconstruido y mestizo, pero que trascenderá las opiniones preconcebidas sobre el arte Iberoamericano. La participación de Brasil se completará con un amplio programa de exposiciones: ciclos de cine y conciertos en los principales museos y centros de arte de Madrid.

Algunos de los artistas de mayor reputación cuyas obras podrán verse en la feria son: el fotógrafo Vik Muniz; Eduardo Kac, precursor del “arte transgénico” ; y las creadoras Rosângela Rennó y Leonora de Barros, una de las primeras videoartistas del país. También se contará con jóvenes promesas que mostrarán sus trabajos. Es el caso del fotógrafo Cao Guimarães, la videoartista Mariana Manhães, el dibujante Fabiano Gonper o el pintor Rodrigo Andrade. Además de la creadora a partir de vinilos, Chiara Banfi, entre otros.

Muniz trabaja con materiales muy peculiares y diversos, pertenecientes a la vida cotidiana, como alambre, hilo, azúcar, chocolate, polvo, tinta, papel, tela, etc. A partir de ellos reproduce imágenes muy conocidas y obras de otros artistas. Y posteriormente procede a fotografiarlas. Su intención es engañar al ojo del espectador y obligarle a volver a mirar.

Como señala el artista: "Mi objetivo es que la gente se pase más tiempo observando la imagen. Es ciertamente difícil. Somos diariamente bombardeados con millones de imágenes, así que es preciso algún tipo de truco visual para que el espectador se detenga y observe". Gracias a su extraña y maravillosa selección de materiales, su objetivo es obligar al espectador a reexaminar aquello que ve o piensa que ve, que suele ser una imagen bien conocida, como la Plaza de Tiananmen, la Mona Lisa, Pollock, un clip, los "Almiares" de Monet, todos ellos recreados con polvo o sirope. "¿Qué es lo que estoy viendo? Ésta es una de las preguntas que siempre intento evocar con mi trabajo. Soy un artista totalmente guiado por la retina".

Muniz no es sólo un artista, también conceptualiza sobre la relación existente entre la representación y la realidad que representa. Mediante sus fotografías estimula la reflexión, intentan que el espectador contemple las contradicciones entre realidad y representación. Pero no se conforma con un mero realismo perceptivo. Lo importante es que a través de las representaciones se construye el objeto representado, de lo que se trata es de transformar la realidad, de actualizar la imagen. La idea latente es la de arte como juego, la obra de arte es una representación que transforma la realidad representada. El auténtico alcance de la representación es hacer que aparezca una nueva realidad del objeto representado, esta transformación no ocurrirá en el orden de la facticidad, sino en el cognitivo.

El artista también ha mostrado una preocupación por el aspecto físico. Para Muniz el chocolate y el azúcar no son más que medios para alcanzar un fin. "Mi pretensión es redefinir los medios, haciéndolos más físicos. Cuando el espectador se percata del material del que está hecha la fotografía, comprende que una imagen siempre está hecha de algo. Gran parte de los elementos de partida que manejo no son intelectuales, psicológicos o políticos, sino físicos. Mi objetivo es que la gente se pase más tiempo observando la imagen".

Eduardo Kac, profesor del Instituto de Arte de Chicago, un artista provocador como pocos. Ha trabajado en campos como la robótica o la telemática. Anunció en la edición 99 del festival Ars Electronica la aparición de una nueva disciplina creativa: el arte transgénico. Su tesis: si los avances de la genética van a cambiar por completo nuestra sociedad, la única manera de reflexionar sobre estos cambios es a través del arte, utilizando las mismas herramientas y técnicas que los científicos.

La ingeniería genética se presta al arte biológico mediante la implantación de genes artificiales en el genoma de una especie determinada con el fin de crear organismos vivos singulares, tanto vegetales como animales. La ingeniería genética permite al artista crear nuevas formas de vida. La naturaleza de este nuevo tipo de arte queda definida por la relación entre el artista, la obra y el destinatario del nuevo ser.

Uno de sus proyectos es “Alba” una conejita que es normal salvo por su pelo verde, gracias a la proteína prestada por una medusa.

Según el artista el arte transgénico exige un compromiso muy fuerte, y la aceptación de responsabilidad por la nueva criatura creada. Pero no es de extrañar que ante una propuesta tan novísima y con tales características la polémica se desate. Las consideraciones éticas no pueden quedar al margen, especialmente en un contexto de arte biológico.

Rosangela Rennó desarrolla un trabajo de exploración y rescate, apropiándose de imágenes fotográficas ya dadas, encontradas, que al ser mostradas con una voluntad y en un contexto artísticos adquieren una dimensión más intensa de sentido.

En su “Serie Roja“(Militar) utiliza una tipología del retrato burgués. Todas las fotos pertenecen al ámbito privado, en ellas se ven a hombres o niños en uniforme militar o con vestimenta de inspiración marcial. Las fotografías fueron trabajadas digitalmente, anulando la visibilidad y saturando la imagen de color rojizo. Produciendo un efecto de volatización de la imagen.

Según la autora el sentido de la obra sólo emerge con la compenetración emocional del espectador, éste debe de estar abierto a experimentar un determinado efecto, se trata de otorgarle un significado subjetivo a la obra. La manera que tiene la autora de definir el significado de la obra la lleva irremediablemente a la adopción de una definición funcional del arte, lo que hace artística una obra es su capacidad de provocar una experiencia estética.

Las consecuencias que se derivan de conceder prioridad a la experiencia estética, mediante la cual sabremos si nos encontramos ante una obra de arte, nos conduce a un relativismo cognitivista. Por esta razón pensamos que es mejor darle prioridad lógica a la composición y cualidades internas de la obra, más que al efecto producido en el receptor.

Cao Guimarães refleja en la mayoría de sus documentales, vídeos y fotografías la realidad social de Brasil, vive y trabaja en esta ciudad. Se inspira en la cotidianidad para la realización de sus obras.

Su trabajo está constituido por tres facetas. Por un lado los vídeos “Concerto para clorofila“, “Sin peso“, “Quarta feira de cinza“,(recientemente adquirida por la Tate Modern en la Feria “Frieze”) “From the window of my room“, “Blow” y “Nanofania“; por otro lado la serie de fotografías titulada “Gambiarras“; y finalmente sus documentales o películas de larga duración: “O fim do sem fim“, “A alma do osso“, “Acidente“, “Rua de Mao Dupla” y “Andarilho“.

Las obras de Cao han sido seleccionadas y premiadas en los principales festivales internacionales de documental y vídeo, y han formado parte de importantes exposiciones, tanto colectivas como individuales. Presentó su documental “Acidente” en el prestigioso Festival de Sundance, Estados Unidos. Su último documental, Andarilho, ha podido verse en la 27ª Bienal de Sao Paulo.

Chiara Banfi comenzó trabajando en decoración de interior, el material utilizado es el vinilo adhesivo y el estampado, en alguna ocasión ha aplicado el estampado sobre acrílicos transparentes . Ella desborda los límites, invade todo el espacio. Lo ocupa de un modo orgánico, y con un material muy barato, pero ella sabe convertirlo en algo estilizado y elegante. El lenguaje que utiliza la autora: el diálogo entre el espacio, las formas orgánicas y las texturas.